.

TOCO Y ME VOY

Recebi um e-mail de um amigo no qual ele incluiu um link para uma interpretação de Rachmaninoff. No diálogo que se seguiu ele acabou fazendo uma longa exposição que julguei interessante publicar aqui, para que todos possam apreciar esta verdadeira aula de música.



O amante perfeito


Cláudio Barcellos de Paula Couto

Falando de Rachmaninoff – mas vale para qualquer obra de arte –, vem-me à memória a lição de um velho e grande personagem da música pianística – Wladimir Horowitz – a propósito dos gêneros da música, popular ou erudita, não importa:

"Olho e analiso uma partitura muito em respeito ao compositor, pois, ao compor, ele está nos passando uma parte da história da vida dele e a emoção imortal. Isso é o que importa. Detenho-me nos contrastes em preto e branco – pois sabemos que os sons musicais são representados na pauta por símbolos escuros. Se os contrastes são muito evidentes e disseminados, significa que foram usadas muitas notas; se não, são poucas notas e complementos. Não raro, as partituras mais claras exigem muito mais do intérprete do que as muito povoadas, porque de modo geral são mais comprometidas com a simplicidade e a singeleza. Portanto, é preciso passar todo o conteúdo em poucas palavras (notas musicais). Então, cada nota tem uma expressão e uma significação enorme no conjunto”.

Ele se referia à Reverie das Cenas Infantis de R. Schumann.

Se muitas “fusas e semifusas” são escritas, ou os acordes são numerosos, temos uma partitura com uma rica sonoridade e, se em “allegro ou “allegro vivace”, andamentos os mais acelerados, então a composição é intrinsicamente mais complexa e de difícil execução mecânica.

Compositores como F. Liszt, F. Chopin e S. Rachmaninoff produziram muitas partituras do tipo estudo. São, quase sempre, composições didáticas (para o desenvolvimento e abrangência da boa técnica) ou o aprimoramento e a exposição das potencialidades virtuosísticas... fundamento do talento do concertista.

Explicitamos a intenção do uso da palavra “mecânica” para induzir à percepção de uma música que tem, em segundo plano, a profundidade e a densidade da emoção transmitida e sentida (interação). Em contraponto, composições classificadas como “elegie, noturno, sonata, valsa e berceuse” são, comumente, escritas mais objetivamente e em andamento mais para moderado, grave ou lento assai” pois a emotividade fica mais explícita, mais exposta e mais à flor da pele.

Não existe um, "determinismo" nisso, mas podemos dizer que é uma regra comum.

***

Rachmaninoff compôs os seus quatro concertos para piano e orquestra com uma enorme riqueza sonora pelos muitos acordes que usou.

No entanto, se você estiver interpretando uma peça com poucas notas e quiser passar emoção e intensidade – o que é o grande diferencial de um artista – estará diante de uma tarefa e tanto. Com poucas notas e complementos é preciso, muitas vezes, transformar o limão em limonada, passando o aroma de uma rosa com uma simples flor do campo. Mal comparando, é preciso ser um namorado e não apenas um “ficante”.

Neste caso, para ser um amante perfeito você terá que exaltar a intensidade e o colorido sonoro por meio, principalmente, de dois recursos: os pedais e o "legato". Em relação aos pedais tem de saber usar a técnica, porque do contrário irá sobrepor demais os sons e ficará tudo confuso. Já o "legato" é um recurso essencial para manter um som e passar ao próximo sem deixar vazios. Isso é proibido. Os sons ficam amalgamados.

***

Escutemos, agora com ouvidos sensíveis e prevenidos, as riquezas e nuances das duas peças: o Estudo e a Elegie. Tanto a Yollanda (na Elegie) como a Aleksandra, no Etude-Tableaux, quase sempre mantêm as mãos junto ao teclado e os braços e mãos absolutamente flexíveis e soltos. Isso permite a elas um fantástico grau de liberdade nos movimentos necessários dos braços, das mãos e dos dedos, algo absolutamente necessários para a execução do "legato". Em Yollanda, nota-se a movimentação das pernas, em especial a perna esquerda, que controla o pedal da sonoridade do piano. Como elas sabem, e muito bem, manejar estes recursos, o resultado é o que chamamos de um som "cantabile" ou cantante.

O fraseado torna-se nítido no simples ato de escutar ou, didaticamente, nas respirações que marcam o início e o fim de cada frase. Como um texto é definido pelas frases que o compõem, assim também ocorre com uma partitura. Claro, nada disso é simples, o estudo diário é essencial, e no começo costuma se estender por umas oito horas. No caso de músicos experimentados há um certo grau de liberdade, pois eles já têm a medida exata das suas necessidades. Nas vésperas do concerto, aquele polimento final, semelhante à revisão criteriosa que os jornalistas fazem antes da publicação de um texto.

***

Um Estudo é uma peça, em geral, de muita dificuldade técnica e de fôlego. Já uma melodia mais profunda e intensa como a Elegie exigirá bem menos do intérprete em execuções de alta virtuosidade, porém, ao passo que aquelas são muito bem tocadas pelos virtuoses, as outras são mais do domínio dos verdadeiros artistas. Porque uma coisa é ser só um pianista e outra é ser pianista artista. O ideal é ser pianista virtuose e artista, o que é bastante raro. É como aquela sensação que a maioria sente ao assistir a uma incrível façanha de um trapezista. Ele executa movimentos mirabolantes e consegue arrancar aplausos vibrantes da platéia, que fica altamente impressionada, mas longe da genuína emoção. Trata-se de uma reação em nível superficial.

Já a arte exige do observador ou ouvinte uma percepção das coisas transcendentes e inefáveis, e isso não se aprende nos bancos da escola, é um dom inato. O melhor mestre jamais terá o poder de transformar um aluno comum em um artista. Mas, pela educação e pelo refino da sensibilidade, consegue-se entender, compreender e viver a arte que nos é mostrada pelos artistas. Os que criam e os que interpretam.